Nous passons trois heures à Avatar : The Way of Water ou au désordre multivers de Spider-Man : No Way Home et acceptons simplement les visuels. C’est magique, non ? Pas vraiment. C’est de l’ingénierie. Une grande partie de ces informations sont nouvelles, coûteuses et incroyablement spécifiques. Les images générées par ordinateur font la une, bien sûr. Mais les caméras de capture sous-marines ? C’est le poids lourd caché. L’innovation est le moteur de ces superproductions. Cela a toujours été le cas.
Ce n’est pas parce que nous avons des puces électroniques que les cinéastes les attendaient. Ils ne le font jamais. Bien avant l’ère numérique, les réalisateurs se penchaient sur un problème et disaient : « J’ai besoin d’une machine qui n’existe pas encore ». Alors ils l’ont construit. Ils n’ont pas attendu la permission. Ils n’ont pas attendu une mise à jour logicielle. Ils ont inventé les outils pour faire fonctionner l’image.
Voici sept films où la technologie était le rebondissement de l’intrigue.
Le Golfe Entre (1917) et le premier cinéma sous-marin
Commencez tôt. Bien tôt. 1917. D.W. The Gulf Between de Griffith avait besoin de quelque chose que personne n’avait fait auparavant. Il voulait filmer sous l’eau. Pas un seau d’eau dans un studio. De vraies images de l’océan.
Le problème ? Les caméras n’aimaient pas l’eau. Pas même un tout petit peu. L’équipe de Griffith a donc dû inventer le premier boîtier de caméra étanche. Ils ont utilisé une caméra sur plaque de verre scellée dans un boîtier étanche. C’était maladroit. C’était risqué. Mais ça a marché.
« La bonne technologie n’existait pas encore, ces cinéastes créaient les outils dont ils avaient besoin. »
C’est le modèle. Vous ne vous adaptez pas à la technologie. Vous forcez la technologie à s’adapter à votre vision. The Gulf Between nous a offert la première véritable cinématographie sous-marine. Ce n’était pas joli selon les normes modernes, mais c’était possible parce que quelqu’un avait décidé que « non » n’était pas une option.
Pourquoi Technicolor n’était pas le premier film en couleur
Vous imaginez Le Magicien d’Oz et voyez Technicolor. Cela a du sens. La comédie musicale de 1939 reste l’utilisation la plus virtuose de cette technologie spécifique. Mais la chronologie devient compliquée si vous vous arrêtez là. Technicolor a fait ses débuts en 1917. The Gulf Between de Wray Physioc a été le pionnier du processus.
Une tragédie de la préservation des films ? Aucune copie intacte n’a survécu.
Il est resté la référence d’Hollywood jusque dans les années 1950. Puis les nouvelles technologies de films couleur de Kodak ont pris le relais. Le changement n’a pas été soudain. C’était inévitable.
Comment “The Jazz Singer” a brisé le moule du cinéma muet
The Jazz Singer (1927) est le premier « film parlant » du cinéma. Cette étiquette colle pour une raison. C’était le premier long métrage à présenter un son préenregistré synchronisé. Avant l’effort de réalisation historique d’Alan Crosland, le public comptait sur les intertitres pour le dialogue. Les musiciens du théâtre ont assuré le soulignement. En direct. Chaque nuit.
Crosland a changé la donne.
Voici le piège. Seules les parties chantées avaient un son préenregistré. Les dialogues utilisaient toujours des sous-titres. Mais le modèle était posé. Essentiellement tous les films qui ont suivi ont emprunté à ce modèle.
L’industrie a basculé du jour au lendemain.
Un détail est souvent passé sous silence. L’acteur principal Al Jolson joue en blackface. Il s’agit d’une pratique désormais largement considérée comme inappropriée. L’étape technique du film n’efface pas ce contexte. Il se trouve juste là. Inconfortable. Réel.
Pourquoi “Metropolis” hante toujours la science-fiction
Metropolis (1927) est arrivé la même année. L’épopée de Fritz Lang n’avait pas de son. Il avait une vision. Échelle massive. Un paysage urbain dystopique qui semblait vivant.
C’est un film muet, bien sûr. Mais les images crient.
Lang a construit des décors qui éclipsaient les acteurs. La machinerie palpitait. La fracture sociale entre les travailleurs et les élites n’était pas seulement écrite dans des scénarios. C’était architectural. Ce n’était pas seulement un film. C’était un modèle de cyberpunk avant que le terme n’existe.
Le montage a été implacable. Les effets spéciaux ? Innovant pour leur époque. Ray Harryhausen a regardé cela dans un théâtre et a décidé de devenir animateur.
Est-ce que ça tient le coup ?
Certains rythmes semblent lents par rapport aux normes modernes. L’intrigue implique un robot Maria. Vous ne croirez pas à quel point le robot est central. Pourtant, le langage visuel reste inégalé. Cela pose de grandes questions sur la technologie et l’humanité. Des questions qui subsistent encore aujourd’hui.
Comment Metropolis a construit sa ville sans le son
Le son n’existait pas dans Metropolis. Pas vraiment. Le chef-d’œuvre de Fritz Lang de 1927 était muet, sorti la même année où Al Jolson ouvrait la bouche dans The Jazz Singer. Ce manque d’innovation audio ? Cela a forcé les visuels à crier plus fort.
Le film de Lang ne montre pas seulement une ville. Il en a construit un.
C’était le premier film à utiliser des modèles miniatures pour représenter une métropole tentaculaire. Mais les modèles seuls sont statiques. Pour les faire respirer, l’équipe a utilisé le procédé Schüfftan. Nommée en l’honneur du directeur de la photographie Eugen Schüfftan, cette technique a inséré de vrais acteurs dans ces mondes miniatures. Il mélange le tangible avec le minuscule. Le résultat fut un langage visuel qui influença la science-fiction pendant des décennies.
King Kong et l’art des miniatures en mouvement
Avance rapide jusqu’en 1933. Comment filmer un singe géant escaladant l’Empire State Building ? Vous ne le faites pas en CGI. Vous n’avez pas la technologie.
Vous utilisez l’animation stop-motion.
King Kong a été le pionnier de cette approche en déplaçant minutieusement des objets physiques par petits incréments. Capturez une image. Déplacez l’objet d’un millimètre. Capturez-en un autre. Répétez jusqu’à ce que le mouvement semble fluide. Ensuite, vous combinez ce monstre animé avec des acteurs humains vivants.
Cela nécessite de sérieuses ruses.
Les cinéastes ont utilisé des matte painting pour créer des arrière-plans. Ils ont des images doublement exposées. Ils ont utilisé un double passe-partout, connu sous le nom de processus Williams. Ils ont même utilisé le bipacking, c’est-à-dire l’exposition simultanée de deux rouleaux de film dans le même appareil photo, une méthode appelée processus Dunning.
Est-ce que King Kong a inventé tout ça ? Le processus Williams est apparu dans Wild Honey en 1922. Mais sous la direction des réalisateurs Merian C. Cooper et Ernest B. Schoedsack, ainsi que des directeurs de la photographie Eddie Linden, Vernon Walker et J.O. Taylor, King Kong a assemblé ces techniques disparates.
Ils ont tissé une histoire fantastique.
La magie ne résidait pas dans une seule nouvelle invention. C’était dans la combinaison.
Citizen Kane et la révolution de la profondeur de champ
- Orson Welles arrive avec Citizen Kane.
Le film a enfreint des règles que tout le monde pensait permanentes. Un changement majeur ? Photographie à mise au point profonde.
Au lieu de brouiller l’arrière-plan pour guider le regard, Welles et le directeur de la photographie Gregg Toland ont tout gardé au point. Premier plan, milieu, arrière-plan. Tout est clair. Tout visible.
Cela nécessitait des lentilles puissantes. Cela nécessitait des configurations d’éclairage vives qui mettaient à rude épreuve la pellicule. Cela a obligé les éditeurs à repenser le fonctionnement des coupes. Si tout est visible, le spectateur choisit où regarder.
Cela a changé la façon dont les histoires étaient racontées à l’écran. La caméra ne dictait plus le récit avec une mise au point superficielle. Le public avait du pouvoir. Une agence chaotique et brillante.
Le langage visuel du cinéma a changé. Encore.
Une concentration profonde et la naissance d’une vision cinématographique moderne
Orson Welles avait 25 ans. Vingt-cinq ans lorsqu’il a écrit, produit, réalisé et joué dans Citizen Kane. Ce manque de cheveux gris ne l’a pas empêché de changer l’apparence des films. Lui et le directeur de la photographie Gregg Toland ont inventé la mise au point profonde. Toland l’appelait « pan-focus ». Cela signifiait que tout dans le cadre restait net. Du premier plan à l’arrière-plan. Tout comme vos yeux voient le monde.
Toland a passé deux ans à peaufiner les objectifs et l’éclairage avant de tourner Kane. Il voulait que la caméra imite la vision humaine.
“Avec la mise au point panoramique, l’appareil photo, comme l’œil humain, voit un panorama complet à la fois, avec tout ce qui est clair et réaliste.”
Cette citation résume tout. Ce n’était pas juste une astuce. C’était une nouvelle façon de voir.
Le premier long métrage entièrement numérique était une expérience britannique
Oubliez les talents d’acteur de Bob Hoskins pendant une seconde. Regardez son crédit de réalisation pour Rainbow (1996). Il s’agit du premier long métrage jamais réalisé entièrement numériquement. Pas de celluloïd. Aucun.
L’équipe a tourné à Montréal, Québec. Ils ont utilisé les caméras de cinématographie électronique à semi-conducteurs de Sony. Chaque étape était numérique. Édition. Effets spéciaux. Son. La seule fois où il a touché la pellicule, c’était à la toute fin. Ils ont transféré le fichier numérique finalisé sur un film 35 mm afin que les cinémas puissent le projeter. Ce fut le seul moment analogique de sa vie. C’est un moment charnière étrange dans l’histoire. Un fantôme numérique hantant un projecteur analogique.
Comment Star Wars a changé le jeu d’acteur pour toujours
La menace fantôme (1999) est moqué. Les gens détestent Jar Jar Binks. Mais la technologie derrière lui ? Révolutionnaire.
Jar Jar a été l’une des premières grandes utilisations de la photographie par capture de mouvement. Un acteur porte un costume. Les caméras suivent le mouvement. Les ordinateurs restituent un personnage animé. Ahmed Best a joué Jar Jar. Il a bougé. L’ordinateur a dessiné.
Cette méthode est restée. C’est comme ça que nous faisons les personnages non humains maintenant. Andy Serkis est le grand nom ici. Vous le connaissez sous le nom de Gollum dans Le Seigneur des Anneaux. Ou King Kong. Ou le chef suprême Snoke dans Star Wars. Il est le visage de la technologie.
Il est intéressant de voir comment le personnage le plus détesté de Star Wars a introduit l’outil qui fait fonctionner Gollum. Ironie? Peut être. Progrès? Certainement.
C’est désormais dans la post-production que la magie opère
Les plus grands changements dans le cinéma ne se produisent pas sur le plateau. Ils sont dans la salle de montage. Justin Guerrieri édite Doom Patrol et Taken. Il se souvient du changement.
À l’époque, vous montiez un film physique. Littéralement. Ciseaux et ruban adhésif. Puis vinrent les systèmes non linéaires Avid. Ce changement s’est produit dans les années 90. Avant que la carrière de Guerrieri ne décolle vraiment.
Maintenant? Il s’agit d’un logiciel d’effets visuels. Après effets. Maya. Mixer. Houdini. Ces outils sont partout. Les professionnels les utilisent. Les amateurs les utilisent.
“Presque tous les films et émissions de télévision utilisent désormais des effets visuels.”
Il n’y a pas que les super-héros qui volent. Ce sont des petites choses. Peignez un morceau de ruban adhésif sur le sol. Correction d’un problème d’éclairage. La barrière à l’entrée a disparu. Les logiciels sont bon marché. Au niveau du consommateur.
Cela signifie que la prochaine grande innovation ne viendra pas de Disney. Cela ne viendra pas d’une suite de Star Wars. Cela pourrait provenir d’un cinéaste indépendant dans son garage. Ou un amateur avec un ordinateur portable. Ils trouvent de nouvelles façons de pirater les outils numériques. C’est là que se trouve l’avenir.
L’impression 3D vole des accessoires
Les accessoires ne sont plus ce qu’ils étaient. L’impression 3D change la conception des décors. Il est souvent moins cher d’imprimer un accessoire que d’acheter un objet réel. Pourquoi dépenser des milliers de dollars pour un article vintage alors que vous pouvez l’imprimer pour une fraction du prix ?
La frontière entre numérique et physique s’estompe. Premiers appareils photo numériques. Puis capture de mouvement. Maintenant des décors imprimés en 3D. Les outils sont de plus en plus petits. Moins cher. Plus accessible.
Qui va les utiliser ensuite ?
